Una vez al año...

El rock ambiental puede ser un asunto engañoso. A veces es un estilo musical que se pueda descartar fácilmente y a veces llega a ser totalmente envolvente. Es de aquellos estilos que cuando uno lo oye por primera vez, es difícil lograr una decisión acertada. Muchas veces requiere de varias oportunidades y de diversos exponentes para lograr un juicio totalmente certero, ya que los representantes del género suelen variar de lo “más viajado”, hasta lo “más de hueva”, hasta lo experimental sin sentido, hasta lo verdaderamente brillante.

The Album Leaf es una banda que me tiene atrapado en este momento por el segundo track de su disco “Into de Blue” (“Always For You”). El disco en sí, es de aquellos, que si haz llegado a la conclusión de que el rock ambiental no es lo tuyo, entonces no creo que este sea totalmente de tu agrado. El disco esta lleno de secuencias simples acompañadas, en muchos tracks, por batería y una instrumentación bastante “estándar” para el género: guitarra, bajo y teclados-sintetizadores (los conocedores de la diferencia de estos, espero me perdonen la categorización de ambos como uno mismo). Solo tres tracks (de 10) tienen vocales y se siente que esto fue más que nada por pura inspiración, más que por necesidad, ya que el disco es considerablemente sólido.

Sin duda alguna TAF, no es una banda verdaderamente innovadora. La gran mayoría de lo que hace se puede encontrar con igual cantidad con otros grandes del género (Mogwai, Explosions in the Sky, por decir algunos), sin embargo me veo victima de mis caprichos, ya que esta banda logró captar mi atención por alguna razón. Tal vez es aquel sentimiento dulce-amargo que crean con todas sus atmósferas, sin importar que tan feliz sea la canción, siempre se les siente un trasfondo relativamente triste a todas las canciones.

Es, hasta cierto punto, refrescante ver una banda independiente que gusta de hacer un disco y música sin verdaderos límites más allá de los que ellos mismos establezcan en sus piezas, las canciones llegan a ser en promedio de 5 minutos cada una, con la más corta siendo de 3:48, pero la más larga siendo de 7:01. Son piezas totalmente de conjunto, ya que a lo mucho uno podría oír los motivos que destacan en las piezas, pero estos, sin los cimientos rítmicos y armónicos que propone la agrupación, llegan a perder su sentido.

Algo que se podría decir “en contra” del disco es que es un disco que llega a ser difícil atender. Es de aquellos discos que uno oye sin problemas  mientras hace algo más hasta que llega el punto que uno solo pregunta “¿ya termino?”. Sin duda alguna no creo que esa sea una característica de un buen disco, claramente de uno agradable sí, más no de uno bueno.

Sin duda alguna los tracks destacables del disco son: “Always For You”, “Red-Eye”, “Wherever I Go” y “Broken Arrow”. Curioso, tomando en cuenta que el primer track se siente más como introducción que una pieza tal cual (a pesar de sus 4:29 de duración), por lo que podríamos denominar “Always For You” el verdadero primer track con ese juicio y siendo que “Broken Arrow” es la última canción del disco. También es de destacarse que “Red-Eye” es la canción que dura 7:01, siendo la más larga del disco.

Les dejo unos links para que puedan ver un par de cosillas interesantes:
Un documental corto de como se creo el disco.

El video del sencillo.

El maiyespeis.

Si estas cosas les interesan, entonctrar el disco no es dificil.

Tambien les recomiendo esta banda que ayudo a iniciar el creador del proyecto Jimmy LaValle

No solo pisa pedales, el chavo...

Hace poco tuve el gusto de ver el documental que llevo a cabo Martin Scorsese, sobre la vida y trayectoria de Bob Dylan y me di cuenta por que ese hombre inspira TANTO respeto. Con solo su manera de ser habría sido MUY fácil decirle a ese tipo hace 50 años que no llegaría a ningún lado más allá de la esquina de su casa con una guitarra, pero ahora es una de los artistas más influyentes del siglo pasado y es difícil decir que a la larga uno no es influenciado por ese señor.


The Nightwatchman es el proyecto solista de Tom Morello, mejor conocido como "el wey que toca la lira en Rage Against the Machine". Debo admitir que este disco es interesante en muchos apectos, primero: Tom Morello no es famoso por que sea un virtuoso de la guitarra, si no más bien por que en Rage Against the Machine (al cual de ahora en adelante me referiré como RATM por razones de practicidad) como grupo era muy bueno y el hace cosas muy interesantes con sus efectos, más no es exactamente impresionante por su técnica. Por otro lado, el personaje de The Nightwatchman ha existido ya por bastante tiempo ya que es el seudónimo que el Sr. Morello usaba cuando se presentaba en rallies de protesta y más que nada cuando protesta, y fue hasta hace un par de años que se decidió a llevar a cabo la grabación del material de The Nightwatchman. A parte, es un disco totalmente acústico, algo que el público que solo conoce por RATM a Tom Morello les es totalmente nuevo y sigue la tradición folk en la que empezó gente como Dylan. (Ja, justifique es aintroducción que por un momento parecía totalmente aleatoria).


El disco, no esta nada malo, si tienes un problema con la música folk de protesta, seguramente tendrás un problema con este disco, ya que es exactamente eso y todo el disco básicamente es un grito de: "¡Malditos cerdos capitalistas pudranse en el infierno!" En lo personal, me gusta más Rage Against the Machine, no se siente tan pretencioso como esto, pero eso no le quita crédito a este disco, ya que es poca la gente que esta dispuesta a hacer, en el nivel en el que esta Morello lo que esta intentando hacer. La intención del disco es buena, la vida sería aburrida sin gente que se queje, más que nada para mí, por que si no me quejará, sería una persona extremadamente diferente.


El disco, no es original, pero esa no es la intención del disco, el disco es un intento de Morello de llevar a todos los rincones posibles su ideología, ya que es uno de esos de: "si cuando menos uno entiende el mensaje y cambia, ya gane". Yo le entiendo, me llama mucho y me gusta que haya gente que tenga el valor de hacer un disco así. Es muy fácil hablar de lo que puede haber atrás del disco, pero hacer eso es nada menos que un prejuicio el cual, en realidad le quita el propósito al disco y más que nada se vuelve una perdida de tiempo tanto para el escucha como para artista.


Desde una perspectiva muy cínica e irónica, este disco me hace pensar en el capítulo 100 de South Park, en el cual llegan a la conclusión de que en EUA siempre habrá gente que tiene el derecho a quejarse para que la gente piensa que esta haciendo lo que es su deber como ciudadano, pero en realidad solo estan apoyando una farsa que es que las cosas siempre van a ser que pueden gritar y gritar pero las decisiones siempre estan dadas y generalmente son las que ya se estan llevando a cabo.


A fin de cuentas el gran problema del disco es que si oyes el primer sencillo, "The Road I Must Travel", en realidad ya oiste el disco, pero dicho eso, el disco no esta malo y mientras no te moleste oír por cuarenta minutos "¡REBÉLATE, MALDITO CONFORMISTA!", muy probablemente habrá algo que sea de agrado en el disco.


Los links: el MYSPACE y un video de acuerdo al post.


Les dejo un video de Youtube muy bueno. Nuevamente una oda al ocio y una muestra al por que no todos deberían tener internet de banda ancha.

Un guitarrista.

Hay unos cuantos guitarrsitas que alguien que dice dedicarse o ser "fans" de la guitarra "debería conocer". Entre dichas personalidades esta gente como Steve Vai, Joe Satriani, Eric Johnson, John Petrucci, etc. Yo tengo una tendencia a no volverme fanático de todo lo que considere "esta choteado", por lo cual estos, aunque maestros en lo que hacen no me llegan a fascinar. Sin embargo, hay unos cuantos que uno llega a conocer por azares del destino que producen un sonido tal que le produce satisfacción y maravilla al que lo oye y que sin embargo no puede explicar el por que de dicha alegría que le produce el toque del ejecutante.

Andy Timmons es de los pocos guitarrsitas que puedo decir verdaderamente me mueven. Su sonido es considerablemetne simplista en comparación con muchos otros de los "grandes guitarristas" y tiene un raíz más bluesera que muchos otros. Para mí es de los pocos guitarrsitas que logran una mezcla más que satisfactoria de técnica con sentimiento. No diré que es todo un artista pero cuando menos si me ameniza mucho cada vez que lo oigo.

El disco es un disco bastante estandar en cuanto a lo que discos del estilo va. Es un disco con unas cuantas canciones rockeras, con una que otra canción funkera por ahí y otra que una más sentimental, efectivamente cubriendo el requisito de canciones para que el disco sea "variado".

El disco es instrumental, por lo cual se vuelve un poco dificil dar un juicio más de alla de la sensación que produce el oir música que no tiene una manera verdaramente clara de dar un mensaje, más allá de los títulos. En lo personal, siento que el estilo de música que no haga es algo que decide por cuenta propia, pero me parece pretensioso andar mandando mensajes por un par de palabras. No por nada las artistas más grandes en la historia de la humanidad han usado VOLÚMENES para dar a entender puntos que han sido y son cuastión de debates por siglos y décadas y sin embargo aquí tienes a una persona que es todo un gringazo (dado a notar por su canción, la cual me molesta un tanto decir es de la mejores del disco, inspirada por el once de septiembre) y pretende llegar a mostrar a todo un artista. Si hay algo que los estadounidenses han mostrado es ingenuidad.

Lo siento, dejare de intensear un poco.

Esta disco tiene una ventaja un tanto diferente sobre otros guitarrsitas de renombre que destacan por "ser un campeón en su instrumento". Al contrario de algunos, como John Petrucci, por ejemplo, Andy Timmons tiene un estilo simplista dentro de lo que cabe. Dicho eso, tiene sus segmentos de algunas piezas (muy pocos en lo que consta generalmente al disco) mucho muy atascadas, pero la gran parte del disco consta de temas que tienen una calidad pop fácil de oir.

Aquí les dejo un blog de donde bajar el disco, tal vez encuentren cosas buenas en ese sitio que les interesen: Andy Timmons Band - Resolution.

Por otro lado les dejo un sitio que es un verdadero testamento a mi ociosidad pero se me hace mucho muy gracioso: The Spoony Experiment.

Metalcore progresivo experimental

Ese es el género de la agrupación que en esta ocasión llego a reseñar y lo hago nada más y nada menos que con el disco que los dió a conocer como los maestros de lo que hacen: Kezia.

Tanto la agrupación como el disco tienen ciertas curiosidades que les dan un cierto caché. Para empezar estos canadienses tienen una declaración en el "booklet" de su disco diciendo: que en el disco fue hecho con el apoyo financiero del gobierno de Canadá. ¡Otra razón para envidiar a los primer mundistas! Por otro lado el disco cuenta con la participación vocal de una chica llamada Jadea Kelly que le da un toque interesante a la canciones que en momentos llegan a ser locas y bruscas. El disco fue hecho de tal manera que cada integrante escribió sus partes con tal dificultad técnica que cuando a penas estaban creando el disco ninguno de ellos podía tocar lo que habían escrito y lo fueron sacando hasta pulirlo de tal manera que en vivo suenan igual si no es que MUY PARECIDO a lo que suena el disco, lo cual es una proeza por si solo. A parte la banda tiene reemplazar a uno de sus guitarristas cada vez que entra a los Estados Unidos ya que se le encontró con algo así como 0.2 gramos de marihuana. Por último, el bajista es el liricista de la banda.

El disco, Kezia, es un disco conceptual que trata sobre una chica llamada Kezia quien resulta estar sentenciada a muerte y es la perspectiva de dicha situación en tres partes en las que tres diferentes personas relatan la historia: un sacerdote, el verdugo y la misma Kezia.

Técnicamente el disco es increíble. Para ser una banda con mucha influencia punk, todavía destaca más. Aunque, siendo honestos el llamar a una banda con gran habilidad técnica punk actualmente ya no es tanto contradictorio ya que ya no es un axioma el ser solo capaz de tocar tres acordes. Al parecer uno ya puede ser poco y tocar como desquiciado también.

El verdadero problema con este disco es que es un disco DEEEEEEEEENSO. En momentos los gritos (si gritan, aunque son gritos de "guacareo", de metalero) llegan a ser un tanto desquiciantes y la música en si llega a ser bastante tensa por lo cual también puede llegar a ser bastante cansado, pero aquellos momentos melódicos en el disco, son maravillosos y los momentos en los que canta la invitada especial, Jadea Kelly, son todavía mejores. No negaré que la voz femenina me inspira una cierta fascinación que me cuesta trabajo describir, claramente no todas.

Por otro lado, el tema del disco no es exactamente mainstream. El disco llega a cuestionar asuntos teológicos, políticos y sociales. Es un disco que explora la ideología de una persona que, al parecer, "si le rueda la piedra. No es exactamente un disco de protesta, aunque el nombre de la banda más bien nos lleva a considerar el espíritu crítico y la necesidad de expresarnos, sea descontento o lo contrario, que debería haber en cada uno de nosotros; si no es más bien un disco que busca motivar al escucha a cuestionar lo que es nuestro entorno y las ideologías y los sucesos que nos rodean, tanto nuestras como de los demás.

El disco tiene ciertas virtudes que lo han ayudado a destacar. Para empezar no es, ni tantito, un disco mainstream, por lo cual dependió mucho de criticas positivas para triunfar. Este un disco de gente que no esta dispuesta a comprometer su integridad artística por obtener más fama. Son de aquellas agrupaciones que comprueban que, aunque le tienes que rascar, todavía hay algunos que están dispuestos a poner su ideología y su amor al arte antes que cualquier otro resultado o premio que se les pueda dar por no hacer y no ser quien quieren ser.

Creo que es un tanto evidente que a mi me encanta este disco. Es un disco que contiene dos cosas que son muy difíciles de capturar en un pedazo de plástico simultáneamente, al menos para mí: pasión y técnica. Es increíble la cantidad de bandas que se enfocan solo en una o la otra y uno se da cuenta fácilmente que al producto final le falta algo, ya que esta demasiado aburrido o hasta se siente frialdad de parte del interprete.

Denle una oída, cuando menos a las canciones 7 a 9, que son mis favoritas, y creo que son la parte narrada por la misma Kezia. Lo peor que puede pasar es que no les guste.

Les pongo unos cuantos links en relación a todo esto:

El maiespeis
Kezia A
Kezia B
Kezia C
El maispeis de Jadea Kelly
El video de "Heretics and Killers" que creo les interesará. Es una interpretación interesante sobre lo que paso DESPUÉS DE el Mago de Oz.

Consolers of The Lonely

The Raconteurs sorprende a todo el mundo anunciando el lanzamiento de su segundo LP a solo una semana de su estreno con la intención de que la música llegue a los oídos de sus seguidores antes que las palabras de la crítica.

Los cuatro miembros de The Raconteurs ya eran bien conocidos en el ámbito musical antes de su debut en el 2006 con el disco Broken Boy Soldiers. La propuesta combina el estilo Rock-Blues americano de Jack White (The White Stripes), con el sonido británico de Brendan Benson, ambos recordando sus influencias de rock clásico. Ellos lideran la agrupación y coescriben 13 temas en su súbito regreso.

Consolers of The Lonely es el disco con el que The Raconteurs busca consolidarse, un disco de rock moderno, lleno de energía, riffs de guitarra y recurrentes tintes de obscuro blues. Una montaña rusa con cuantiosas pendientes, declives y giros drásticos, donde al final del recorrido lo que se agradece es el vértigo y la variedad, pero el dolor de cuello puede ser consecutivo.

El arte del disco evoca la época colonial Estadounidense y armoniza bastante bien con la instrumentación y el sonido misterioso de las canciones.

El titulo del material, obedece a un fragmento de la inscripción de l oficina de correos de Wahington DC escrita por Charles William Eliot que completa, lee: “Messenger of sympathy and love, servant of parted friends, consoler of the lonely, bond of the scattered family, enlarger of the common life.”

Consolers of The Lonely es un buen puente para los amantes del blues y del rock clásico que quieran comenzar a escuchar la nueva camada del rock.

Una probadita Consolers of The Lonely

Este es el disco favorito de los billetes de un dólar.

Mister Kaizer, Hans Constanza og Meg

Una vez curioseando por los idiomas di con una coincidencia que me pareció muy peculiar. Resulta que en el idioma Noruego, la palabra en castellano "gratis" se dice "gratis" en noruego. Ahora, estos son 2 idiomas totalmente distintos, y esta no es cualquier palabra. Y resulta que además de vez en cuando escribo algo y invito a los lectores y fanáticos de la música a compartir mis gustos musicales de manera "gratuita". Esto era una señal de los dioses, Odín y Tlaloc se pusieron de acuerdo y resulta que sí tienen algo en común. ¡Chalud la compañía de deidades!

Una vez identificado cuál es mi destino marcado en las estrellas (y yendo totalmente en contra de mi creencia de teorías astrológicas pero cuya evidencia en este caso era irrefutable) me di a la tarea de compartir en esta ocasión a una banda que por obvias razones resulta muy poco conocida en estas tierras de temperaturas templadas: Kaizers Orchestra. Si alguien alguna vez ha escuchado a Jon Cale o Leonard Cohen y estado lo suficientemente intoxicado para pensar que en lugar de ser señores de visiones oscuras son jóvenes hablando un idioma que nadie entiende, entonces no sólo es un candidato perfecto a apreciar esta banda, sino también a recibir extensa ayuda médica a la brevedad. Para profundizar en la primer condición pertinente, aquí les presento a una banda altamente recomendable. Para empezar debemos obviar el hecho de que hablan una lengua inentendible, pero al mismo tiempo debemos saber que al escucharlos descubriremos una música muy cruda, un tanto bruta, con gran imaginativa y de una calidad oculta que satisface gratamente. Siempre es una experiencia interesante cuando escuchas a 5 tipos haciendo un escándalo impresionante con instrumentos que en realidad no fueron inventados para esa clase de uso, o que sencillamente no son instrumentos para empezar. Qué bonito es escuchar una canción melancólica, triste, hablando de lo que es la guerra en una familia sin su padre, mientras un tipo le da con todo a un bote de basura metálico.

Más allá de las excentricidades con las que viven estos muchachos (creo que es una característica inherente en los nórdicos), no pierden nunca de vista grandes ideas musicales. Siempre muestran una enorme noción de ritmo, ofreciendo a veces un blues clásico debajo del tamborileo, o un rock nada despreciable detŕas de un coro de tipos que no hacen más que remitirnos a un bar muy a la vieja escuela donde se canta a la felicidad de la camaradería y la bebida. En todo momento intentan contar una historia, recordar un momento o proponer una idea. Siempre que una banda se dedica a hablar (aunque no lo entendamos) de cosas distintas a el aparentemente inagotable cliché del mundo musical vale la pena prestarle una oída. Las canciones hablan desde un enano que baila el vals y un oraguntán que juega a las cartas, hasta la fiesta triunfal en la casa del señor Kaizer, mientras afuera el mundo se hace pedazos, a donde estamos invitados su Constanza y yo (meg).

Creo que por ahora es difícil decir más. Siempre resulta complicado hablar de una banda que nunca se parará por estos lugares, pero quizás esto sirva como el principio de un plan maquiavélico en el cual formaremos una base de aficionados que hagamos ruido y quién sabe, algún día los veamos por acá. ¡¡Alguien dígame que no estoy solo!!

Pero bueno, mientras eso ocurre yo los dejo. Aquí comparto con ustedes el disquito de esta semana. Resulta ser su disco debut y eventualmente subiremos los que siguen. Recuerden que aquí y allá es "gratis", así que nada más no lo vendan, si no ya no nos entenderíamos ni aquí ni allá.

Kaizers Orchestra - Ompa til du dør

La extraña pareja

Cuando parece que ya todo se ha escuchado en el exploradísimo terreno del Pop, Gnarls Barkley apela a su creatividad y regresa con un sonido fresco en The Odd Couple.

Después del éxito mundial del sencillo Crazy, el segundo material de este dueto estadounidense era tan esperado que una fuga de canciones en la red, provocó la anticipación de su lanzamiento. “La extraña pareja” conformada por el multi-instrumentista y productor Danger Mouse y el extravagante cantante Cee-Lo Green, entregó a mediados de abril su segundo disco de estudio.

Trece temas (cuota bastante amplia para un disco Pop) con un trabajo de postproducción verdaderamente artesanal, lleno de arreglos, efectos y sonidos sintéticos -mas digitales que instrumentales- que combinan armoniosamente con la profunda y peculiar voz de Cee Lo. Con la misma gracia el dueto logra equilibrar estos efectos y sonidos futuristas con atmosferas retro, logrando un estilo bastante novedoso. El resultado es un disco interesante, lleno de matices, pero sobre todo muy divertido.

Aunado a lo musical, Gnarls Barkley presenta una atractiva propuesta visual. El arte de sus discos y sus videos son de excelente calidad y congruentes con la música.

Sin duda la secuela de Gnarls Barkley supera a su predecesor St. Elsewhere y conforma una de las propuestas más recomendables de los lanzamientos más recientes en el mundo de la música.

Les dejo una probadita:

The Odd Couple

Por que también puedo ser metal "old school"

En cuanto vi que Felis había puesto un disco de metal, solo pude pensar dos cosas: tengo que hacer eso yo también y no he puesto un disco de metal. Luego, me cruzó por la mente mi fanatismo por Sum 41, el cual me llevo al proyecto del ex-guitarrista de dicha agrupación, Dave "Brownsound" Baksh: Brown Brigade. A la mayoría de le gente le sorprendería esta agrupación al ser el proyecto de un ex-guitarrista de una banda de "pap-pank" como lo es Sum 41, pero cuando uno conoce ciertos detalles como lo son que unas de la inspiraciones de la banda fueron Slayer, Judas Priest y Iron Maiden y que dicha banda tiene un alter-ego llamado Pain for Pleasure el cual era una banda muy al estilo de lo que hace Brown Brigade, pues esto de empieza a aclarar un tanto. La banda esta categorizada en los géneros del heavy metal, reggae, trash metal y hard rock

Este disco no se anda con rodeos, desde el principio se deja caer el metal (a partir de los 13 segundos) y el grupo inmediatamente deja ver las influencias de las bandas mencionadas anteriormente. Especialmente en los solos los cuales no dan tiempo ni de respirar dando a notar el lado del trash de la banda.

Si bien, en lo personal esta banda me gusto mucho, me temo que esta MUY lejos de estar en la gloria. El disco cumple ciertos objetivos como lo son hacer un disco del cual Iron Maiden podría estar orgulloso, pero al mismo tiempo el disco llega a ser un tanto tedioso y no me sorprendería que pasando la que bien podría ser la mejor canción del disco, Aggravation Plantation, la mayoría de la gente le empezaría a perder el interes al disco. Este disco demuestra a una banda que este lista para hacer buena música pero esta demasiado ensimismada por sus influencias. Tal vez ya que la banda pudo cumplir su capricho en cuanto a la creación del disco como es, ya se enfocaran a hacer música que verdaderamente los haga resaltar.

El disco en sí no puede dejar la vibra de que sería lo que Iron Maiden hubiera hecho si empezaran en estas épocas y también fueran influenciados por el reggae. Por otro lado, aunque la labor vocal no esta mal llevada a cabo, parece que el señor Baksh tiene miedo de cantar por lo cual su voz siempre suena como lejana, falta de pasión, como chiquita. ¡¿Dónde, mi querido "Brownsound", quedo aquella pasión que demostraste cuando hiciste el grito de Pain for Pleasure?! Es bueno ver que un interprete se enfoque tanto en hacer las cosas bien, pero a mi me da tristeza cuando sacrifican pasión por interpretación. A Bruce Dickinson NUNCA le falta pasión... that's right, I went there.

No entiendo por que en esta ocasión que estoy oyendo el disco me esta empezando a frustrar tanto. Es como si el disco se negara a llegar a algún lado. Las canciones parecen no ser un conjunto como deberían ser y, aunque no son malas, el disco en sí pierde enfoque. ¿Por qué este disco no es mejor? Debería serlo. Los músicos tienen todo para hacerlo pero parecen como los jugadores del América (jajaja, nada personal Vaquero), listos para hacer el mínimo indispensable y tentar a la fina línea de la mediocridad que todos evitamos desesperadamente. Pensandolo bien, cuando menos estan mejor que el América hace unas semanas. El disco, al igual que uno de Iron Maiden no deja de hacer lo mismo uno y otra vez por toda su duración, por lo cual, a pesar de que la penúltima canción también puede ser la mejor canción ya el escucha esta demasiado harto como para que le importe.

El disco no esta malo, ni tantito; pero como escribí antes, le falta chispa al disco, le falta ese algo que hará que la gente que se digne a escuchar (que ya es poca, es un hábito que se ha perdido en el mundo) el disco completo por si solo lo escuche con atención. Les daremos el beneficio de la duda a la agrupación argumentando que es su disco debut y les flata madurar como banda. Si, eso haremos...

Les dejo el maiespeis de la banda: Ze Brown Brigade.

Ahora si solo me las puedo arreglar para insultar al jazz y a las Chivas, verdaderamente me querran en este blog.

Por cierto, intentaré a partir de este blog dejar el maiespeis de ciertas agrupaciones, interpretes, etc., que yo creo valen la pena pero por X o Y razón no se puede hacer algo sobre un disco de dichas bandas. En la primera edición será An Endless Sporadic, conjunto que se dio a conocer en el juego Guitar Hero III y que ni siquiera tienen disco.

La Dama de Hierro...

Diamanda Galás definitivamente parece salida de una leyenda de terror acerca de la inquisición, vampiros, o algo parecido. Su voz está hecha para cantar ópera, alcanza prácticamente cualquier registro y su música refleja este estilo, pero imagínense una ópera donde todas y cada una de las piezas te ponga “los pelos de punta”, cosa que me sucedió cuando escuché este disco completo. No es una cantante común, su música está llena de gritos y gemidos constantes que a veces rayan en el borde de lo chillante como en el tema “The thrill is gone”. Sin embargo, tiene canciones que combinan su gran habilidad como pianista con su muy característica voz y se siente la influencia del jazz en canciones que llegan al fondo de nuestra conciencia, si así se le puede llamar. Cada canción es un bolo de sentimientos y energía difíciles de descifrar en un instante y nos atrapa con temas de angustia, separación y muerte que hacen de su música algo así como el lado oscuro del jazz y de la música en general (aunque está clasificada como Avant-Garde). Y esta mujer no sólo se limita a este extraño género musical, pues ha incurrido en el mundo de la salsa, el rock y la música cubana; incluso hizo un disco con el ex-Led Zeppelin John Paul Jones, del cual hay rolas muy buenas. Éste (Malediction and Prayer) es un disco en vivo, donde Diamanda interpreta covers de distintos artistas (Billie Holiday, BB King, Phil Ochs, etc) sólo con un piano y su voz; y por supuesto, ninguna canción se parece a la original. La verdad no es comparable con nada, sólo puedo dar una opinión de lo que escucho y siento, y a veces eso es terror! Pero no porque la melodía sea horrible de escuchar, sino que eso es lo que transmite esta enigmática mujer. Hay unos temas bastante reconfortantes (por decirlo así) como “25 minutes to go” de Johnny Cash, donde el piano se torna algo dulce y tranquilo, al igual que su voz. Todas las canciones tienen algo especial, por ejemplo “Keigome Keigome” está cantada en griego y la música es de este estilo. Este disco culmina con la canción “Gloomy Sunday”, una canción extremadamente melancólica y estremecedora, pero para mi es la mejor del álbum, cumple su cometido, no está hecha para hacernos felices ni para salir con una sonrisa, sino para entrar en contacto con nuestra tristeza, cosa que no siempre está mal. No es monótono en lo absoluto, cada canción es muy diferente de la otra y no sabes qué va a suceder a continuación, pero no siempre la sorpresa es grata, pues esta mujer no tiene límites, aunque ya dependerá de los gustos de cada quien. Este disco nos aleja de todo a lo que estamos acostumbrados, como la música destinada a que bailemos, headbangemos o cantemos alegremente; se trata de ponernos en contacto con un lado menos entusiasta de la música y de nosotros mismos. Talvez no es totalmente pesimista pero muchas de sus temáticas son realistas y poco alentadoras.No recomendable para depresivos (así que EMOS absténganse). Ya después del mal chiste, creo que no mucha gente puede disfrutar este tipo de música, pero intentarlo no le hará daño a nadie, talvez sólo los deje un poco más dementes de lo que ya están y queriendo más. Sé que a mi me dejó así...

Este es un video de Gloomy Sunday, espero que no les de mucho miedo.
http://www.youtube.com/watch?v=KzWVWY5QUzg

El largo brazo de la electrónica

Me vi tentado a hacer NUEVAMENTE un soundtrack para esta edición, pero mi curiosidad por la música electrónica fue mucho mayor, y, según yo, el grupo de moda es Justice. Supontemente que por que si "se rifan".

Justice tiene ciertos problemas que lo preceden. Primero, son electrónica, sólo diré eso y suenan DEMASIADO a Daft Punk. Segundo, se llaman Justice, ¿qué demonios debe esperar uno de una banda que se llama Justice? ¿Acaso "beats que justamente hacen bailar"? (Aunque por ese lado, en realidad no me puedo quejar por que, ¿qué puede pensar uno de una banda que se llama Waffle, verdad?) Tercero, el primer track empieza con un sampleo que se asemeja a "Thriller" de Micheal Jackson, ahora me ha intrigado ya que eso no se hace a la ligera. Cuarto, sus géneros (según Wikipedia), son electro-house, disco y dance punk. ¿Qué DEMONIOS es "dance punk"? (¿Vieron que manera tan sutil de poner el género?)

Entrado el segundo track (el primer track no es más que un intro), la primera mitad solo puedo decir que es la electrónica más básica, un tanto sosa, pero ya la segunda mitad es... interesante, aunque sufre mucho de su precedente: suena a Daft Punk con variaciones leves. Ni que decir del sencillo "D.A.N.C.E.", el cual la única diferencia es que llega a un nivel de descaro en pop, que hacen que Daft Punk quede como el duo menos mainstream del género.

Ahora me doy cuenta que debo tomar una visión diferente de este disco, ya que al paso que voy para cada track escribiré las palabras Daft Punk. Para eso mejor me pongo a oirlos al mismo tiempo y anoto parecidos entre ambos. Por eso ya no escribiré eso a menos de que haya un cover en el disco, que no lo hay... creo.

Ya oyendo desde otra perspectiva, el disco llega a ser bueno por si solo. En especial, cabe destacar la tendencia del duo a hacer cambios que le llegan a dar variedad a cada track, aunque la producción del disco llega ser algo interesante por el estilo que maneja al no dejar que ciertos sonidos esten presentes al mismo tiempo. Otra cosa que destaca en el ambiente del disco, es que sin duda alguna este tiene una vibra ochentera a través del mismo. Ya sea que uno siente que va a una "discoteca" o que esta oyendo una balada pop de la época (me hace pensar en... ¿Rod Stewart?) o tal vez hasta un poco de rap ochentero; el disco, en general se siente ochentero. no es que sea algo malo, pero es algo a notarse, a parte de que en momentos Justice, en realidad no se esforzo ni tantito por esconderlo.

Creo que ahora debo dejar de comparar Justice con la música ochentera. Ummm. Esto se esta poniendo complicado.

Terminando el disco, puedo decir que dos cosas me decepcionaron. La primera: el segundo sencillo del disco "Waters of Nazareth" esta mucho, bastante "meh" en comparación con el primer sencillo "D.A.N.C.E.". La segunda es que la última rola "One Minute To Midnight" no es, al menos no a primera oida, muy parecida que digamos al clásico de Iron Maiden "Two Minutes To Midnight". Si eso no tuvo nada que ver, pero fue lo que me pareció a mí.

El disco no esta malo, pero siento que esta mejor oirse por separado en un RANDOM en algún evento social. En cuanto a lo que conozco de la electrónica he oído mejores, pero, sin duda alguna, he oído peores. Tal vez Justice pueda volverse MUY bueno. Aunque sí, aquello de sus "fuertes influencias de rock" no me parece muy acertado. Creo que en realidad buscar un disco de electrónica que incorpora fuertemente el rock en ESTE disco llega a ser engañoso.

Aquí les va donde obtener "la probadita": http://www.myspace.com/etjusticepourtous

P.D. - Me pregunto si son igual de buenos en vivo que Daft Punk en vivo. Jajaja.

From Serbia with love.

¿Los soundtracks son buenos, verdad? ¡¿VERDAD?!

Bueno, creo que todos conocemos la verdad del asunto. La gran mayoría de los soundtracks son malos cuando se oyen independientemente a la película. Uno de los lados negativos a hacer música con TANTA relación visual, supongo. Pero de vez en cuando hay una que otra sorpresa. Yo soy el tipo de persona que cuando ve una película rara vez me doy cuenta de la música a tal grado de llegar a comentarla, claro exceptuando los musicales. Underground es una de aquellas películas que una de las cosas que más se me pego de la película, fue el soundtrack por si solo. El soundtrack es bueno, y la gente que lo hizo, mejor. Esa es la ventaja de cuando a la gente creativa se le deja trabajar en un ambiente correcto. Hace poco vino el compositor del soundtrack, Goran Bregovic a nuestro país a presentarse frente a un público considerable, y ha llegado a mostrar que la música balcánica es muy entretenida y que mejor película para mostrar música balcánica que una del mejor director (supongo por que es el único que conozco) serbio: Emir Kusturica. (NOTA: ESTA RESEÑA NO SE HIZO POR ESA RAZÓN)

El soundtrack es un pequeño testamento a la variedad de estilos que puede llegar a manejar el señor Bregovic, sin perder su estilo característico. Llega a hacer canciones con toques de electrónica, tangos y la base del soundtrack, los metales. El soundtrack llega a manejar una fina línea entre el abuso de cierta instrumentación y aprovecharla de manera que solo un maestro podría hacerlo. Desde el uso de tuba en casi todas las piezas, hasta las melodías de trompetas y cornos que con un poco de apoyo de instrumentos rítmicos, crean una atmosfera que hace que uno casi olvide las maldades que se estan llevando a cabo en la película. Uno casi quiere bailar a la música de la escena cuando el pueblo esta fabricando armas tras llevar 10 años haciendo eso y los inspecciona el protagonista. Dicho eso, la típica pieza sentimental con arreglo de cuerdas no podría faltar y no falla en su intento de hacer al escucha sentir ese "algo", aunque si tiene un aire de romantico (en sentido artístico) dicha pieza que puede que a algunos les llegue a afectar.

Algo que llega a ser constante en este soundtrack es que TODA la música parece haberse hecho con la intención de que se pudiera bailar. La mitad es música que se pondría en un jolgorio (de festejos tradicionales de la región), algo equivalente a unas rancheras instrumentales directas de la región de Cocek (escrito de una manera que mi teclado no me permite con facilidad, con unas c's con acentos, y pronunciado, como dice el librito, TCHO-TCHEK). La otra mitad de las piezas, son para bailarse lentamente, ya sea de manera romantica (en sentido coloquial) o fúnebre. A fin de cuentas una buena elección de estas piezas en la fiesta adecuada puede poner un ambiente increíble.

Este disco de soundtrack, NO es un soundtrack, per se, sino es música extraída de la película, por lo cual en relación a la película, la música esta "en desorden" y no es TODA. Esto es terrible, por que la que es, probablemente, la mejor pieza del soundtrack es la última, aunque la primera también es MUY buena. Por otro lado, aunque llendome un poco por la tangente, esa pieza es un cacho muy corto, lo cual es molesto ya que por mi me podrían poner cinco minutos de eso y no me molestaría en lo más mínimo.

Por último, este tipo de música demuestra que, sin importar que tanto les importe esto, la múisca es universal ya que a pesar de que hay gente diciendo cosas en serbio, con la música basta y con la identificación de una palabra o frase ("¡KALASNJIKOV!") uno llega a crear una relación con lo que esta escuchando para disfrutarlo en un nivel diferente a cuando uno "solo oye".

Por cierto, como me remuerde la conciencia con eso de poner los discos tal cual, en vez pondré sitios donde puedan tener "una probadita" de los disco, y los artistas, que he puesto y pondré.

Ximena Sariñana - http://www.myspace.com/ximenamusic

Senses Fail - http://www.myspace.com/sensesfail

Soundtrack de "Juno" - http://www.piticstyle.com/2008/03/22/juno-soundtrack/

Soundtrack de "Underground" - http://rapidshare.com/files/3317870/Underground.rar

(El de Underground es una excepción por que de otra manera en realidad, no hay como dar "una probadita").

El Espíritu del Momento

Definitivamente no es fácil escribir acerca de una corriente, un estilo, un género, una moda o toda una forma de vida. Y menos cuando se trata de un fenómeno actual con aproximadamente 100 años de existencia.

Al principio casi nadie entendía lo que estaba sucediendo. Era algo que se daba en muy pocos lugares, ilegales en algunas ocasiones. Pero algo fascinante desde mi punto de vista es que este fenómeno y forma de vida, nunca se asoció con el elitismo que en el momento de su nacimiento flotaba entre las mentes de la sociedad en la que fue creado. Claro, el elitismo siempre existe en la música, sin embargo, es difícil cuando se trata de una libre expresión, aliada de la hermandad, de la paz, del entretenimiento, de la entrega, y principalmente del hecho de improvisar y compartir de manera muy libre y fraternal.

Este movimiento musical, en sus inicios atrajo de una manera muy rápida y sorprendente a todo tipo de oídos en aquella época (principios del siglo XX), pues la cultura y forma de vida, iban muy de la mano con el pensamiento victoriano. Ya entrados los primeros años del siglo pasado, el pensamiento juvenil y bohemio comenzó a mutar. El respeto por la espontaneidad comenzó a reinar en las bellas artes. Esta nueva corriente de pensamiento y de ideas artísticas se encontró con la interminable creatividad de una raza traída directamente desde África con fines obscuros, perversos, y antihumanos. Entonces, gracias al vuelo y la fama que ya tenía en ese momento el ragtime en Nueva Orleáns, surgió el JAZZ.

Figuras como Buddy Bolden, con su concepto conocido como The Big Four; Jelly Roll Morton, quien declaró en alguna ocasión haber dado el salto del ragtime al Jazz; y Lorenzo Tío, el clarinetista de origen mexicano, sin duda ayudaron fuertemente a que se desarrollará de forma plena este nuevo estilo, genero, moda y forma de vida musical.

El Jazz es hoy en día todo un fenómeno a nivel mundial que sigue desarrollándose a distintos niveles. Es una mezcla de sonidos, experiencias, y sentimientos que entre otras cosas han sido acomodadas de manera muy libre y compleja, y que brindan el espíritu del momento a cualquier oído que guste de experimentar sus dimensiones.

Close to the Edge, Op. 5

Si alguien alguna vez ha presenciado o escuchado una sinfonía clásica, una de las primeras cosas que resaltan al abrir el librito y ver qué demonios está uno por escuchar, es la idea del movimiento. Debería ser muy claro que no nos estamos refiriendo al mismo movimiento que el tal Daddy Yankee tantas veces ha sugerido en su desagradable conjunto de sonidos llamado reggaeton. Nos estamos refiriendo a la estructura de la obra clásica conocida como sinfonía. Toda sinfonía se encuentra dividida en "movimientos" o etapas dentro de la obra, definidas por el tempo que escoge el compositor. De hecho, cada movimiento lleva como "título" el tempo que lo regirá. Generalamente, una sinfonía abre con un movimiento de tempo vivo, alegre, seguido de uno lento, delicado y muy bello, y si la sinfonía consiste de 3 movimientos, cierra con un movimiento vigoroso, culimnando toda la obra en un final grandioso o increíblemente profundo.

Si uno se imaginara a Beethoven complementando esa mítica cabellera y esos sacos de gran estilo con unos pantalones acampanados y, por qué no, unas botas de esas que hoy nos hacen dudar de cualquier orientación sexual, sería muy probable que Beethoven estuviera escribiendo obras épicas de rock. No me cuesta ningun trabajo imaginar a aquellos compositores arriesgados, atrevidos y con grandes, grandes imaginaciones haciendo rock en el ya no tan cercano siglo pasado. Más específicamente, Beethoven habría sido un gran rockero progresivo. Es quizás esta idea la que mejor ilustra lo que los grupos de rock progresivo estaban buscando en los 70: verdaderas sinfonías de rock. Es claro que toda analogía siempre se verá expuesta a todo tipo de contradicciones y planos contextuales que no permitan hacer comparaciones atrevidas, pero Yes bien podría ser la reencarnación musical de algun genio musical de la época clásica. Ya que osamos hacer dicha declaración, de una vez podríamos abusar un poco más: Close to the Edge bien podría ser la reencarnación de una sinfonía clásica.

Dividido en 3 movimientos, y 3 movimientos nada más, este disco bien podría estar programado en cualquier programa clásico después de una buena sinfonía de Ravel o alguna suite de Stravinsky. Quizás los budistas no estaban tan locos y el ciclo de las reencarnaciones es una realidad hasta en las artes. De cualquier modo, los 3 movimientos de este disco podrían bien definir a la perfección la nueva concepción de una sinfonía del siglo 20, la sinfonía del rock. 3 canciones, 3 ideas increíblemente creativas, progresivas, fantasiosas, diferentes que le dan una forma, un sabor cautivante a un concepto:

Primer movimiento: Close to the Edge: Allegro, andante soto voce, allegro vivace
Segundo movimiento: And You and I: Andante, lento, allegro
Tercer movimiento: Siberian Khatru: Allegro rockero, tuta la rola

Hay quienes han declarado que Yes ha sido una de las 3 bandas más importantes del rock progresivo. Y es difícil refutar tales declaraciones cuando una banda logra no sólo marcar la pauta dentro de su género en su tiempo, sino logra proyectar tantas nuevas ideas a todo el mundo musical. Como todo, también fueron parte de un ciclo, y si bien Beethoven y todo compositor clásico fueron adquiriendo una madurez artística que se vio reflejada cada vez más tajantemente en su obra con el paso del tiempo, este disco podría representar el momento de la explosión creativa y la maduración experimental de Yes.

Cada vez que lo pienso, me imagino a Yes creando música al lado de Beethoven, pero si bien Beethoven no tenía por qué compartir su capacidad creativa con nadie (definitivamente no lo necesitaba), no le hubiera caído nada mal un poco de ese mensaje de belleza en el mundo y el amor en las ideas del hombre. Relájate Ludwig...

Los dejo con uno de mis 5 discos favoritos de toda la historia... Chalud la compañía...

Close to the Edge

Un lugar llamado Aina...

Así es, ahora seré la encargada de reseñar uno que otro disco de merol; siendo éste el primero, espero que lo tomen como una parte de mi entrenamiento en esto del blog. Cualquier crítica será bienvenida jaja. Aqui vamos...

La Historia comienza en una nación lejana, Aina, un lugar hermoso y próspero donde reina la paz y tranquilidad. Aquí habitan los Ainae y su rey es Taetius Ainaen. Cada canción de esta ópera metal revela una parte de la fascinante historia del fin de los días pacíficos en Aina, cuando el heredero al trono, Torek, es rechazado por Oria, la mujer con quien deseaba casarse y mujer de su hermano Talon, y desaparece de Aina; así llega a Naschtok donde se refugia y jura venganza. Todo esto nos lo cuentan en el librito del disco, y la verdad es una lectura muy agradable, recordándonos un poco las temáticas de Tolkien.

La introducción del disco es "Aina Overture", algo bastante tranquilón que crea el ambiente adecuado para relajarse y escuchar de lleno esta obra. Viene la siguiente canción que relata, en un estilo metal melódico la primera parte de la historia con "Revelations", aqui ya entramos en calor y dejamos que los profetas del rey nos alerten. El siguiente tema, "Silver Maiden", baja el tono mientras escuchamos la voz de Amanda Somerville, quien además es la creadora de la historia y las letras de esta obra. Al continuar con la aventura con la canción "Flight of Torek", contamos con la participación de Glenn Hughes (Black Sabbath), así como de Tobias Sammet, lo cual nos recuerda a los relatos de Avantasia y hace de esta canción una de las más potentes del disco. Ahora nos acercamos a un poderoso heavy metal donde podemos apreciar la guitarra de Sascha Paeth y la voz de Thomas Rettke en "Naschtok is born", que en lo personal es mi canción favorita del disco. Siguiendo con Paeth y Rettke llegamos a "The Beast Within" que se caracteriza por los coros un tanto oscuros que nos revelan la transformación que sufre Torek para convertirse en Sorvahr, dios de la oscuridad y la destrucción. Ahora regresamos al metal progresivo que caracteriza a este proyecto con la canción “The Siege of Aina”, donde el coro de niños advierte la llegada de la oscuridad a Aina y podemos distinguir varios cambios en el ritmo de la melodía, lo cual la hace bastante interesante. Después somos atrapados por el genial dueto Hughes/Matos acompañado en ocasiones por el coro y volviendo a un tono tranquilo y a veces melancólico en la canción “Talon’s Last Hope”. Candice Night, acompañada por un piano y una orquesta, da su hermosa voz a Oria, quien se consuela después de ser raptada por Sorvahr en la canción “Rape of Oria”. Regresamos a una base heavy metalera en “Son of Sorvahr”, para pasar a un toque sinfónico y reconfortante en “Serendipity”, que nos relata la historia de amor entre la hija de Talon y el hijo de Sorvahr. La siguiente canción sigue con un tono tranquilo mientras escuchamos la voz de Amanda Somerville acompañada de música con rasgos orientales.
Regresamos al power metal con “Rebellion” donde escuchamos las voces de Hughes y Sammet y nos acercamos al final de la travesía. “Oriana’s Wrath” nos lleva al campo de batalla donde se enfrentan las voces de los personajes principales en un tema sinfónico; y así el bien triunfa sobre el mal, devolviendo la paz a la nación de Aina, dando lugar al tema “Restoration”.
El álbum incluye otro disco (The Story of Aina) con los mejores temas del primero en diferentes versiones y uno extra que se llama "The story of Aina" en dos diferentes versiones de 15 minutos cada una. La primera versión es instrumental y en la segunda un narrador relata la historia completa de Aina, algo así como si fuera un audiolibro, que para mi sobra un poco porque prefiero leerla yo, con la musiquita de fondo, pero es un herramienta útil para estos casos donde puedes bajar las rolas pero no la historia.
Days of Rising Doom es sin duda uno de los mejores proyectos de ópera metal, pues cuenta con la participación de más de 20 grandes personajes del metal quienes contribuyeron con ideas propias en distintas áreas del proyecto. Altamente recomendable para aquellas personas que gustan de la ópera-rock, el heavy metal y el metal progresivo, aunque desde mi punto de vista cualquiera podría disfrutar de esta genial obra.

Aquí está el link para que puedan bajar los discos

Days of Rising Doom The Story of Aina

La película: buena. El soundtrack: ...

Ganadora del Oscar como Mejor Guión en un Largometraje. La película merece de sobra el premio (oh, si, lo dije "Sin Lugar Para Los Débiles"), y al estar a punto de entrar a verla por segunda vez, recorriendo Mix Up, me tope con una "estación" en la ke estaba este disco. Al oir un par de cachos, por ke Mix Up ya no te deja oir más de algo así como 90 segundos de dada rola, decidí ke sería buena idea conseguir este disco, y cumplir un capricho.

Debo admitir ke no estaba muy seguro en cuanto a este soundtrack ya ke es OBSCENAMENTE indie. A tal grado ke, facilmente, el 80% de la instrumentalización del disco es guitarra acompañando sencillamente a la(s) letras. No es ke eso sea algo malo, pero tampoco es necesariamente bueno.

Dicho eso, el soundtrack es... bueno. Esta excelente para "mal copear" ya ke varias de la canciones tienen un sentir agri-dulce ke hasta parece ke es de una película indie de EUA. ... Tal vez soy yo, pero el soundtrack ni sikiera parece eso, al oirlo independiente de la película. Obviamente cuando uno lo oye, no puede evitar pensar en esta o la otra escena de la película, pero este más bien parece el disco ke le kemaría un fanatico del indie a una chica cuando la kiere introducir (sin sutileza cabe destacarse) a dicho género, el cual espera compartir a fondo.

Llegando a la mitad del disco me doy cuenta de dos cosas:

1. - Los indie cantan con una FLOJERA, ke parecen 2. Parece ke hasta prefieren platicar las canciones ke cantarlas como tal. No es ke sea algo malo, digo se le llama estilo, pero esto me lleva a...
2. - El disco por si solo se siente DEMASIADO largo. Tal vez, para mí, es demasiado de lo mismo; pero una rola acá "pesada" no me caería mal y cuando esas son un cover de los Carpenters (por Sonic Youth, pero aún así) y una canción originalmente escrita, pero ejecutada por otra banda, de David Bowie; uno diría ke algo se haría al respecto.

Dicho eso, las rolas de Kimya Dawson, kien por cierto fue parte esencial en la creación de este disco, tienen un estilo muy interesante y muy bueno, haciendola tal vez lo mejor del disco.

Sin duda alguna las mejores rolas son las 2 versiones de "Anyone Else But You" y cualkiera de Kimya Dawson, aunke la rola de Sonic Youth, Cat Power y Mott the Hoople, no estan nada mal. Recomiendo ke, si pueden, lo pidan prestado para hacer un juicio propio más certero por ke mi indecisión esta SEVERA, no se como sentenciar al disco. No es malo si sirve de algo. Hablando de "Anyone Else But You", si le cantaran una canción a su ser kerido, estaría sería una excelente opción, a parte de ke es una buena rola.

Como nota final solo diré ke al parece el género (o sub-género si prefieren) es ANTI-FOLK. Ja, ¿ké les parece? No se ke pensar al respecto, eso si les puedo decir.